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12.12. -29.12.2022

Opening: 12.12.2022, 3 pm
Opening Hours: Monday-Saturday, 3 – 6 pm
PopUp Store Schönhauser Allee Arcaden
Artspring Festival Ausstellungsraum
3rd floor, Schönhauser Allee 80, 10439 Berlin

Let us look at art in the present. It seems effortlessly possible to understand contemporary works of art beyond the moment in a sizeable causal context. That is caused by art history, which is constantly trying to interpret and assign art to epoch styles and movements.

Nevertheless, the memory of art is limitless. Artists animate the contemporary art world with quotes from the past. The context in which artists produce their art on a daily basis forms their spiritual home. Thus, the spiritual home of a generation is permeated with memories and shared knowledge. The resulting aesthetic dominates the artists’ cultural memory and includes the audience’s expectations.

What strategies do artists use to do this, and what distinguishes an individual from the collective memory? How is shared remembrance expressed in works of art, and how important is it for artists to belong to a group of others?

The exhibition ‘Collective Memory’ refers to the memory of art and is the last presentation in the annual 2022 program in the PopUp Store of the Artspring Festival. The artists in the exhibition examine the interactions between artistic positions in various ways. The exhibited images and objects represent contemporary art’s unique interplay of painterly, photographic, and sculptural issues. At first glance, the participating artists’ birth countries appear to be far away from one another, as they are spread over several continents. However, it is precisely through international scholarship and training programs that a familiar aesthetic becomes visible as it is developed through decades of global exchange.

The respective artists’ positions refer to earlier generations and aim to inspire thought about the past in the present. The citation process is an essential component, here, and is characterized by the continuation and supplementation of existing ideas. In this sense, all exhibitors work on the future ‘collective memory’ of a generation. The exhibition offers a wide range of international positions and exciting discoveries. In the spirit of collective memory, the project space is transformed into a culmination point for encounters between extraordinary art objects and a place for participation and exchange.

Works by the following artists can be seen in the Collective Memory exhibition:

Katja Eminusk, Carla Faché, Rachael Jablo, Joanna Mortreux, Kirstin Rabe, Henrieke Ribbe, Carita Schmidt, Maria Volokhova, Anne Wölk

Anne Wölk curated the exhibition.

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About the artists:

The objects by Joanna Mortreux and Maria Volokhova deal with sculptural questions. The artists quote from the formal language of the past and deal with ceramic arts and crafts tradition. Mortreux and Volokhova share a love of clay, which people have used for thousands of years. That may be why one finds diverse references to artifacts from antique collections by both artists. Maria Volokhova found her way to porcelain through her work with ceramics. Porcelain allows her to explore the contradiction between aesthetic attraction and repulsion. She contrasts the surface’s unique shine with the material’s fragility. In the work series of both artists, there are references to sculptures of classical modernism, such as Peter Agostoni’s elegant white sculpture Summer Clouds (1963) or the totem-like figure The Pink Child Birth (1964) by Niki de Saint-Phalle.

The seemingly archaic forms of Niki de Saint-Phalle also echo in the work of Joanna Mortreux, who has lived and worked in the capital since taking part in the Berlin artist-in-residence program, Takt, in 2013. The Australian artist has received various awards, including the Dr. Wendy Gers Ceramics Coach Grant. Mortreux studied Fine Art at the Royal Melbourne Institute of Technology in Australia until 2008 and has participated in international exhibitions.

Maria Volokhova, on the other hand, came to Germany from Ukraine as a teenager and studied painting at Burg Giebichenstein Halle. She deepened her studies in Bologna, Italy, and Athens, Ohio, USA. She also studied for two years in the ceramics department at the Tokyo Art University Japan and was awarded a scholarship from the renowned Monbukagakusho Scholarship program. Maria Volokhova received the NASPA Prize for Ceramics in 2016 and has exhibited her works at the James Simon Gallery on Museum Island in Berlin Mitte. Her works are represented in various public collections, for example, in the Kunstgewerbemuseum and the Stadtmuseum Berlin collections.

The principles of collage and quotation are also in the foreground for Rachael Jablo. Her works show the influence of artists such as Judy Chicago, whose ‘Birth Project’ documents birth experiences and accounts and uses them as a basis for drawings and tapestries.

In the ‘Collective Memory’ exhibition, Rachael Jablo shows part of her ‘Hysteria’ series of works, which the artist conceived as a storytelling collage project. The artworks address intimate medical diagnoses, such as experiences with pelvic dysfunction. Jablo’s portraits of pelvic organs fit firmly into social practice. For her collages, the artist uses the technique of cameraless photography and mounts the results on cut-out sheet metal backgrounds. These are presented in gilded, laser-cut Plexiglass frames.

Jablo’s work has recently been shown at the Kaos Collage Festival and the Museum of Photography in Braunschweig. Jablo’s work has been recognized with articles in newspapers such as Ever-Emerging Magazine, Lensculture, WNYC’s The Takeaway, and Migraine Magazine. Her book ‘My days of losing words’ was published by Kehrer Verlag in 2013, and her current series of works, ‘The Hysteria Project,’ was awarded a new start culture grant for innovative art in 2021.

The idea of ​​the object-like is also of interest to the artist Kirstin Rabe, who since 2012 has mainly focused on the production of three-dimensional paper images. Rabe regards paper as a fragile material by which to sense its particular materiality. The artist finds the prerequisites for developing her formal language in the feel of the material and in the meditative process of paper production itself. Her works of art are created in different work phases by forming layered and laced reliefs. In this regard, Rabe strives to visualize elementary phenomena, such as light, colour, and texture. She was lastingly inspired by the work of Yves Klein, which focuses on the visual power of monochrome in the sense of monochrome painting.

Kirstin Rabe was born in Hamburg in 1971 and initially studied surveying at the University of Applied Sciences in Hamburg. After spending several years in South Korea, this graduate engineer turned to art in 2007 and completed an academic art degree in Berlin. She is a member of BBK Brandenburg, VBK Berlin, and IAPMA (International Association of Hand Papermakers and Paper Artists). As such, Rabe’s work is represented in public and private collections worldwide.

Paper, light, and colour are also the main research areas of Katja Eminusk. Eminusk studied physics and works in the field of colour field painting. She uses grids in the form of circles, triangles, rectangles, and stripes in her artwork. In the grid, colour succeeds in developing maximum energy and liveliness because a vibrant colour presence permeates the grid.

Katja Eminusk received a grant from the Deutscher Künstlerbund in 2022. Furthermore, she was funded by the Hessian Cultural Foundation in 2020. Her works are in the collection of the Oberhessischen Museum in Giessen.

The Chilean-born painter Carla Faché and the Finnish-German artist Carita Schmidt examine the sensuality and luminosity of colour in abstract paintings. Both artists deal with the juxtaposition of sensor technology and layering and psychologically stage their works in the exhibition space.

In art history, Carita Schmidt finds inspiration in the work of Vincent Van Gogh and, at the same time, in the performances of contemporary artist, Marina Abramović.

Schmidt’s approach is like a walk through different worlds, with the echo of movements becoming visible as contoured areas of colour. The artist plays with the principles of perceptual psychology and combines visual and aural perception. She tries to merge drawing and painting, which allows her to create multidimensional pictorial worlds. Her preferred materials are pen, ink, acrylic, and oil on paper and canvas.

Carita Schmidt studied with Björn Lövin and received a Bachelor of Fine Arts from the Swedish Institute of Dramatic Art in Stockholm, Sweden. She has participated in more than 80 solo and group exhibitions worldwide and has been an artist in residence at the Vermont Studio Center. In addition, she received the Silver Award for contemporary painting in the Artfolio competition in 2021. Her paintings are represented in collections such as Graphotek Berlin, Pinakothek Nico Lazaridi, Ptolemaida Art Museum, and the Vafopoulio Cultural Center of Thessaloniki.

Carla Faché was born in Chile in 1977 and has lived and worked in the Miami art scene in the USA for many years. Her current exhibitions include group presentations at the Fondazione Giorgio Cini di Venezia, the Florida Museum for Women Artists, and the art association Locus Projects Miami. The artists also exhibited their large-scale abstract paintings at the Invisible Dog Art Center, New York; at the Armory Art Center, Palm Beach; at the Cambridge Art Association, Boston; and at the All-Media Juried Biennial at the Hollywood Center for the Arts and Culture.

Faché’s work has been featured in many publications, including Studio Visit Magazine. Her work is included in important private and corporate collections, and since 2011, she has worked in the Fountainhead Residency Studio Program in Florida.

Anne Wölk and Henrieke Ribbe are also painters but work in the tradition of representational painting. In the ‘Collective Memory’ exhibition, Ribbe shows portraits of female scientists who have received the Nobel Prize. Like Alice Neel, whom she admires, the portrait painter prefers to paint in oil on canvas to show respect for her subjects. Her small-format paintings thrive on quick brushstrokes and are reminiscent of Elizabeth Peyton’s portraits in their precision and spontaneity. Henrieke Ribbe studied at the HFBK Hamburg with Werner Büttner and at the Spatens Art Academy in Oslo. Since 2004, she has been part of the ‘3 Hamburger Frauen artist collective’. She was a scholarship holder of the artists’ project Goldrausch and an artist in residence at the artists’ houses in Worpswede. In 2005, her work was awarded the Karl-Heinz-Dietze prize for painting. Her works are exhibited and collected internationally.

In contrast to Henrieke Ribbe, Anne Wölk worked for many months on her astronomical star landscapes. With her pictures, the Berlin artist abducts us into the vastness of space and takes us on a journey that points far beyond the planets, moons, and asteroids of our solar system. Wölk’s works fascinate with their romantic interpretation of a bizarre strangeness and the painterly interpretation of the deep light of our vast universe. Her interstellar landscapes of nebulae and galaxy clusters are in the tradition of the American painter Vija Celmins. In contemporary art, her works also tie in with the three-dimensional drawings of Russel Crotty.

Anne Wölk studied at the Kunsthochschule Berlin-Weissensee with Katharina Grosse and Antje Majewski and at the Chelsea College of Art and Design in London. The artist was a scholarship holder of the Studienstiftung des Deutschen Volkes, the Stiftung Kunstfonds Bonn. In 2013, she received the Category Award in the competition ‘Art Takes Paris’, initiated by See.me New York. Wölk’s works have been exhibited worldwide and are represented in collections such as the Proje 4L Elgiz Museum Contemporary of Art, the Czong Institute for Contemporary Art (CICA), and the Tirana Art Gallery Museum Albania.

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Text in German:

„Collective Memory“ 

12.12. -29.12.2022

PopUp Store Schönhauser Allee Arcaden
Artspring Festival Ausstellungsraum
3. Etage, Schönhauser Allee 80, 10439 Berlin

Blicken wir auf die Kunst im Jetzt, so scheint es mühelos möglich, zeitgenössische Kunstwerke über den Augenblick hinaus, in einem großen kausalen Zusammenhang zu verstehen. Denn, die Kunsthistorie versucht sich unentwegt an einer Deutung und Zuordnung von Kunstwerken zu Epochenstilen und Kunstrichtungen.

Das Gedächtnis der Kunst ist uferlos. Kunstschaffende halten die Kunstwelt der Gegenwart mit Zitaten aus der Vergangenheit in Atem. Der Kontext, in dem KünstlerInnen täglich arbeiten und Ihre Kunstwerke schaffen, bildet Ihr geistiges Zuhause. Somit ist das geistige Zuhause einer Generation durchdrungen von Erinnerungen und geteiltem Wissen. Die sich daraus bildende Ästhetik dominiert das kulturelle Gedächtnis der Kunstschaffenden, umfasst aber auch die Erwartungen Ihres Publikums. 

Mit welchen Strategien gehen KünstlerInnen dabei vor und was unterscheidet das individuelle vom kollektiven Gedächtnis? Wie drückt sich das gemeinsame Erinnern in den Kunstwerken aus und wie wichtig ist es für KünstlerInnen zu einer Gruppe von anderen dazuzugehören? 

Die Ausstellung „Collective Memory“ bezieht sich auf das Gedächtnis der Kunst und ist die letzte Präsentation im Rahmen des Jahresprogramms 2022, im PopUp Store des Artspring Festivals. Die KünstlerInnen der Ausstellung untersuchen auf unterschiedlichste Weise die Wechselwirkungen zwischen Künstlerpositionen. Die ausgestellten Bilder und Objekte repräsentieren das einzigartige Zusammenspiel von malerischen, fotografischen und bildhauerischen Fragestellungen in der zeitgenössischen Kunst. Die Geburtsländer der beteiligten KünstlerInnen scheinen auf den ersten Blick weit von einer entfernt zu sein, denn sie verteilen sich auf mehrere Kontinente. Doch gerade durch internationale Stipendien-und Ausbildungsprogramme wird eine gemeinsame Ästhetik sichtbar, die sich durch Jahrzehnte des globalen Austauschs entwickelt hat. Die jeweiligen Künstlerpositionen beziehen sich auf frühere Generationen und versuchen die Vergangenheit in der Gegenwart mitzudenken. Dabei ist der Prozess des Zitierens ein wesentlicher Bestandteil und wird durch das Fortführen und Ergänzen von bereits bestehenden Ideen charakterisiert. In diesem Sinne arbeiten alle Ausstellenden mit und am zukünftigen „kollektiven Gedächtnis“ einer Generation. Die Ausstellung bietet ein breites Angebot an internationalen Positionen und spannenden Entdeckungen. Im Sinne des Kollektiven Gedächtnisses verwandelt sich der Projektraum zu einem Kulminationspunkt für Begegnungen zwischen außergewöhnliche Kunstobjekten und zu einem Ort für Teilhabe und Austausch.

Arbeiten von folgenden KünstlerInnen sind in der Ausstellung „Collective Memory“ zu sehen:

Katja Eminusk, Carla Faché, Rachael Jablo, Joanna Mortreux, Kirstin Rabe, Henrieke Ribbe, Carita Schmidt, Maria Volokhova, Anne Wölk

Die Ausstellung wurde von Anne Wölk kuratiert.

Zu den KünstlerInnen:

Die Objekte von Joanna Mortreux und Maria Volokhova haben Bildhauerische Fragen zum Inhalt. Die KünstlerInnen zitieren aus der Formensprache der Vergangenheit und setzen sich mit der Tradition des Keramik-Kunsthandwerks auseinander. Mortreux und Volokhova verbindet die Liebe zu Tonerde, welche seit Jahrtausenden von Menschen verwendet wird. Vielleicht findet man deshalb vielfältige Referenzen zu Artefakten aus Antiken Sammlungen bei beiden KünstlerInnen. Maria Volokhova hat über die Beschäftigung mit Keramik zum Werkstoff Porzellan gefunden. Porzellan bietet Ihr die Möglichkeit, den Widerspruch zwischen ästhetischer Anziehung und Abstoßung zu erforschen. Den besonderen Glanz der Oberfläche setzt sie in Kontrast zur Zerbrechlichkeit des Materials. In Ihren Werkgruppen finden sich Bezüge zu Skulpturen der klassischen Moderne, wie zum Beispiel Peter Agostonis eleganter weißer Plastik „Sommerwolken“ (1963) oder die totemhafte Figur „die rosa Kindergeburt“ (1964) von Niki de Saint-Phalle. Die scheinbar archaischen Formen von Niki de Saint-Phalle hallen auch im Werk von Joanna Mortreux wieder, die seit Ihrer Teilnahme am Berliner Artist in Residence Programm „Takt“ im Jahr 2013 in der Hauptstadt lebt und arbeitet. Die australische Künstlerin erhielt verschiedene Auszeichnungen, unter anderem das „Dr. Wendy Gers Ceramics Coach Stipendium“. Mortreux hat bis zum Jahr 2008 Freie Kunst am Royal Melbourne Institute of Technology in Australien studiert und nimmt seither an internationalen Ausstellungen teil. 

Maria Volokhova kam hingegen bereits als Teenager aus der Ukraine nach Deutschland und studierte Malerei and der Burg Giebichenstein Halle. Ihre Studien vertiefte sie in Bologna, Italien und Athens, Ohio, USA. Sie studierte zusätzlich zwei Jahre im Fachbereich Keramik an der Tokio Art University Japan und wurde Stipendiatin des renommierten Monbukagakusho Scholarship Programms. Maria Volokhova erhielt 2016 den NASPA Preis für Keramik und stellte Ihre Werke unter anderem in der James Simon Galerie auf der Museumsinsel in Berlin Mitte aus. Ihre Arbeiten sind in verschiedenenen öffentlichen Sammlungen vertreten, zum Beispiel im Kunstgewerbemuseum Berlin und in der Sammlung des Stadtmuseums Berlin. 

Das Prinzip der Collage und des Zitats stehen auch für Rachael Jablo im Vordergrund. Ihre Werke zeigen Einflüsse von KünstlerInnen, wie zum Beispiel Judy Chicago, deren „Birth Project“ zu Geburtserfahrungen, Erlebnisberichte dokumentiert und diese als Grundlage für Zeichnungen und Wandteppiche weiter verwendet. 

In der Ausstellung „Collective Memory“ zeigt Rachael Jablo einen Teil ihrer „Hysterie“ Werkserie, welche die Künstlerin als Storytelling-Collage-Projekt konzipiert hat. Die Kunstwerke thematisieren intime medizinische Diagnosen, zum Beispiel Erfahrungen mit Beckenfunktionsstörungen. Jablos Porträts von Beckenorganen fügt sich fest in den Bereich der sozialen Praxis ein. Für ihre Collagen verwendet die Künstlerin die Technik einer kameralosen Fotografie und montiert die Ergebnisse auf ausgeschnittene Metallblatthintergründe. Diese werden in vergoldeten, lasergeschnittenen Plexiglasrahmen präsentiert.

Rachael Jablos Arbeiten wurden kürzlich auf dem Kaos Collage Festival und im Museum für Fotographie in Braunschweig gezeigt. Jablos Werk wurde mit Artikeln in Zeitungen, wie dem Ever-Emerging Magazine, dem Lensculture, dem WNYC’s The Takeaway und im Migraine Magazine gewürdigt. Ihr Buch „My days of lossing words“ erschien 2013 im Kehrer Verlag und ihre aktuelle Werkserie „The Hysteria Project“ wurde 2021 mit einem Neustart Kultur Stipendium für Innovative Kunst ausgezeichnet.

Die Idee des Objekthaften interessiert auch die Künstlerin Kirstin Rabe, die sich seit 2012 überwiegend mit der Herstellung von dreidimensionalen Papierbildern beschäftigt. Rabe betrachtet Papier als fragilen Werkstoff, mit der Intention, dessen besondere Materialität zu erspüren. Die Voraussetzungen für die Entwicklung Ihrer Formensprache findet die Künstlerin in der Haptik des Materials und im meditativen Prozess der Papierherstellung selbst. In unterschiedlichen Arbeitsphasen entstehen Ihre Kunstwerke, die sich zu geschichteten und geschnürten Reliefs formen. In dieser Hinsicht strebt Rabe an, elementare Phänomene wie Licht, Farbe und Textur zu visualisieren. Nachhaltig hat sie das Werk von Yves Klein inspiriert, welches sich auf die visuelle Kraft von Einfarbigkeit, im Sinne von monochromer Malerei, fokussiert.

Die Künstlerin wurde 1971 in Hamburg geboren und studierte zunächst Vermessungswesen an der Fachhochschule in Hamburg. Nach einem mehrjährigen Aufenthalt in Südkorea, ging die diplomierte Ingenieurin 2007 den Weg zur Kunst und absolvierte ein akademisches Kunststudium in Berlin. Kirstin Rabe ist Mitglied im BBK Brandenburg, im VBK Berlin und bei IAPMA (International Assoziation of Hand Papermakers and Paper Artists). Ihre Arbeiten sind in öffentlichen und privaten Sammlungen weltweit vertreten.

Papier, Licht und Farbe sind auch die Forschungsschwerpunkte von Katja Eminusk. Sie ist studierte Physikerin und arbeitet im Bereich der Farbfeldmalerei. In Ihren Kunstwerken nutzt sie Raster in Form von Kreisen, Dreiecken, Rechtecken und Streifen. Im Raster gelingt es Farbe eine maximale Energie und Lebendigkeit zu entfalten, denn das Gitter wird als Ganzes von einer vibrierenden Farbpräsenz durchdrungen.

Katja Eminusk erhielt 2022 ein Stipendium des Deutscher Künstlerbundes. und wurde 2020 durch die Hessische Kulturstiftung gefördert. Ihre Werke sind in der Sammlung des 

Oberhessischen Museums in Gießen vertreten.

Die in Chile geborene Malerin Carla Faché und die finnisch-deutsche Künstlerin Carita Schmidt untersuchen in der abstrakten Malerei die Sinnlichkeit und Leuchtkraft von Farbe. Beide Künstlerinnen beschäftigen sich mit der Gegenüberstellung von Sensorik und Schichtung und inszenieren Ihre Werke auf psychologische Weise im Ausstellungsraum.

In der Kunstgeschichte findet Carita Schmidt Inspiration im Werk von Vincent Van Gogh und gleichzeitig in den Performances der zeitgenössischen Künstlerin Marina Abramović. 

Schmidts Herangehensweise gleicht einem Spaziergang durch unterschiedliche Welten, wobei das Echo von Bewegungen, als konturierte Farbflächen sichtbar werden. Die Künstlerin spielt mit Prinzipien der Wahrnehmungspsychologie und verbindet den Hörsinns mit visuellen Wahrnehmungen. Sie versucht Zeichnung und Malerei miteinander zu verschmelzen, wodurch ihr multidimensionale Bildwelten gelingen. Ihre bevorzugten Materialien sind Fineliner, Tusche, Acryl und Öl auf Papier und Leinwand. 

Carita Schmidt studierte bei Björn Lövin und erhielt einen Bachelor of Fine Arts vom Swedish Institute of Dramatic Arts in Stockholm in Schweden. Sie nahm an mehr als 80 Einzel-und Gruppenausstellungen weltweit teil und war „Artist in Residence“ im Vermont Studio Center. Zusätzlich erhielt sie den Silver Award für zeitgenössische Malerei des Artfolio Wettbewerbs 2021. Ihre Bilder sind in Sammlungen, wie der Graphotek Berlin, der Pinakothek Nico Lazaridi, dem Kunstmuseum Ptolemaida und dem Vafopoulio Art-Center Thessaloniki vertreten.

Carla Faché wurde 1977 in Chile geboren und lebt und arbeitet seit vielen Jahren in der Kunstszene von Miami in den USA. Zu ihren aktuellen Ausstellungen gehören Gruppenpräsentationen in der Fondazione Giorgio Cini di Venezia im Florida Museum for Women Artists und im Kunstverein Locus Projects Miami. Außerdem hat die Künstlerinnen ihre großformatige abstrakte Malerei im Invisible Dog Art Center, New York; im Armory Art Center, Palm Beach; in der Cambridge Art Association, Boston und in der All-Media Juried Biennale im Kunst- und Kulturzentrum von Hollywood gezeigt.

Fachés Arbeiten wurden in vielen Publikationen besprochen, unter anderem im Studio Visit Magazine. Ihre Werke sind in wichtigen Privat- und Unternehmenssammlungen enthalten und seit 2011 arbeitet sie im Fountainhead Residency Studio Program in Florida.

Anne Wölk und Henrieke Ribbe sind ebenfalls MalerInnen, arbeiten aber in der Tradition der gegenständlichen Malerei. Ribbe zeigt in der Ausstellung „Collective Memory“ Porträts von Wissenschaftlerinnen, die den Nobelpreis erhalten haben. Die Porträtmalerin bevorzugt es, wie die von ihr verehrte Alice Neel, in Öl auf Leinwand zu malen, um ihren Sujets den nötigen Respekt zu erweisen. Ihre kleinformatigen Malereien leben vom flüchtigen Pinselstrich und erinnern in Ihrer Präzision und Spontanität auch an die Porträts von Elizabeth Peyton. Henrieke Ribbe hat an der HFBK Hamburg bei Werner Büttner und an der Spatens Kunstakademie Oslo studiert. Seit 2004 ist sie Teil des Künstlerkollektivs „3 Hamburger Frauen“. Sie war Stipendiatin des Künstlerinnenprojekts Goldrausch und Artist in Residence in den Künstlerhäusern Worpswede. 2005 wurde ihr Werk mit dem Karl-Heinz-Dietze Preis für Malerei ausgezeichnet. Ihre Werke werden International ausgestellt und gesammelt.

Anne Wölk arbeitet, im Gegensatz zu Henrieke Ribbe, viele Monate an ihren astronomischen Sternlandschaften. Mit ihren Bildern entführt uns die Berliner Künstlerin in die Weiten des Weltraums und nimmt uns mit auf eine Reise, die weit über die Planeten, Monde und Asteroiden unseres Sonnensystems hinausweist. Eingehüllt in das Tiefenlicht unseres riesigen Universums, faszinieren Wölk’s Werke durch Ihre romantische Interpretation einer bizarren Fremdartigkeit. Ihre interstellaren Landschaften von Nebeln und Galaxienhaufen stehen in der Tradition der amerikanischen Malerin Vija Celmins . In der Gegenwartskunst knüpfen Ihre Werke ebenfalls an die dreidimensionalen Zeichnungen von Russel Crotty an.  

Anne Wölk hat an der Kunsthochschule Berlin-Weissensee bei Katharina Grosse und Antje Majewski und am Chelsea College of Art and Design in London studiert. Die Künstlerin war Stipendiatin der Studienstiftung des deutschen Volkes, der Stiftung Kunstfonds Bonn und erhielt 2013 den Category Award im Wettbewerb ‘Art Takes Paris’, initiiert von see.me New York. Wölk´s Werke wurden weltweit ausgestellt und sind in Sammlungen, wie dem Proje 4L Elgiz Museum Contemporary of Art, dem Czong Institute for Contemporary Art (CICA) und dem Tirana Art Gallery Museum Albanien vertreten.